La photographie dans un film est l’ensemble des éléments menant au rendu visuel et esthétique du film et des scènes. Un film étant un ensemble d’images mis bout à bout, les réglages des appareils influent le rendu final. Cela passe par la prise de vue, la lumière et les accessoires utilisés qui contribueront à la photographie d’un film. Cette tâche est le rôle du directeur de la photographie devant trouver les réglages correspondant à la volonté de rendu du réalisateur. Il travaille donc à améliorer la qualité des images ou à lui donner un aspect identifiable facilement. Celui-ci n’est pas nécessairement photographe mais est bien souvent un très bon technicien maîtrisant parfaitement la lumière. Il connait aussi le principe de fonctionnement d’une caméra et sait diriger son équipe sur le plateau.
Chaque réalisateur du 7ème art avec un minimum de budget s’entoure d’une équipe avec notamment un directeur de la photographie. Ces techniciens permettent de faciliter la naissance et la vie du film. Cela marque en partie la différence entre le cinéma amateur et le cinéma professionnel et se ressent dans la version finale d’un film même si le spectateur ne se fait pas consciemment la réflexion.
La photo au cinéma fait référence à la création d’images en mouvement à travers l’utilisation d’une caméra. Elle consiste à capturer des scènes, des acteurs, des paysages et d’autres éléments visuels pour les intégrer dans un film. La photographie au cinéma ne se limite pas seulement à la prise de vue, elle englobe également l’utilisation de techniques d’éclairage, de cadrage, de composition et de colorimétrie pour créer une esthétique visuelle unique.
L’évolution de la photographie au cinéma
Depuis ses débuts, la photographie au cinéma a connu une évolution constante, tant sur le plan technologique qu’artistique. Au début du cinéma, les films étaient tournés en noir et blanc avec des caméras rudimentaires. Cependant, avec l’avènement de nouvelles technologies, telles que la couleur et le cinéma numérique, la photographie au cinéma a ouvert de nouvelles possibilités artistiques.
L’importance de la photographie au cinéma
La photo cinématographique joue un rôle crucial dans la création d’une expérience visuelle immersive pour les spectateurs. Elle contribue à l’établissement de l’ambiance, à la narration visuelle et à la transmission des émotions à travers les images avant, pendant et après le tournage. Les choix de cadrage, d’éclairage et de composition peuvent influencer la perception du public et renforcer le message narratif du film.
La photographie donnant une touche importante à l’image, elle est à mettre en lien avec le métier de l’étalonnage en post-production. Ces deux métiers servent le propos du réalisateur. Par exemple, dans un film de guerre ou d’horreur, la photographie d’un film est bien souvent brute et sombre, afin de renforcer les émotions ressenties par les personnages dans un contexte exceptionnel. Dans un drame ou pour mettre en avant les problèmes d’une famille, les couleurs sont souvent moins saturées et l’atmosphère du film plus terne. Dans un film de genre, le réalisateur discute en général de la touche photographique qu’il veut voir dans son film puisque son style fera ensuite parler de lui autant que le scénario. Cela n’est pas une vérité générale mais donne une indication de comment la photographie sert un film. Les émotions sont aussi véhiculées par l’aspect de l’image au cinéma.
Il faut aussi souligner l’existence des photographes de plateau lors des tournages au cinéma. Ils permettent bien sûr de conserver des souvenirs du tournage mais aussi de prendre les photos lors de la mise en place des décors et des costumes. Cela permet au réalisateur et aux techniciens de pouvoir effectuer plusieurs prises dans des décors semblables, évitant ainsi des faux raccords au montage.
C’est là un des principaux ennemis du monde cinématographique.
Techniques de photo au cinéma :
a) Éclairage : L’éclairage est l’un des aspects les plus importants de la photographie au cinéma. Il peut être utilisé pour créer des contrastes, des ombres, des reflets et des atmosphères particulières. Les directeurs de la photographie travaillent en étroite collaboration avec les chefs décorateurs et les réalisateurs pour choisir les meilleures techniques d’éclairage qui correspondent à l’histoire et à l’esthétique visuelle du film.
b) Cadrage : Le cadrage est la manière dont le réalisateur choisit de composer une scène à travers le viseur de la caméra. Le choix du cadrage peut influencer la perception du spectateur et l’émotion qu’il ressent en regardant le film. Des techniques telles que le plan large, le gros plan, le plan séquence et le plan subjectif sont utilisées pour créer différents effets narratifs et esthétiques durant le tournage.
c) Composition : La composition fait référence à l’arrangement des éléments visuels à l’intérieur du cadre. Des règles telles que la règle des tiers, la ligne d’horizon, la profondeur de champ et l’équilibre des masses sont utilisées pour créer une composition esthétiquement agréable et équilibrée. La composition peut aider à diriger l’attention du spectateur vers des éléments clés de l’image et renforcer la narration visuelle du film.
d) Colorimétrie : La colorimétrie concerne l’utilisation des couleurs pour créer une ambiance et une atmosphère spécifiques dans un film. Les directeurs de la photographie travaillent avec les chefs décorateurs pour choisir des palettes de couleurs qui correspondent à l’histoire et à l’émotion souhaitée. Des techniques de post-production telles que l’étalonnage des couleurs sont utilisées pour ajuster et harmoniser les tons et les contrastes.
